“LOS DESCENDIENTES” CON GEORGE CLOONEY INAUGURÓ LA
7ª EDICIÓN DEL FICA
Por Perla Schwartz
Y el cine vuelve a habitar el oleaje de Acapulco, el séptimo arte vuelve a hacer presa de este bello puerto de México, quién ahora con la 7ª edición del FICA , se viste de gran glamour con la presencia de dos íconos de la cinematografía mundial de los 70, la diva italiana Sofía Loren y Alain Delon, quien sobresalió en algunas películas del neorrealismo y del cine noir francés.
Ambos, ayer en la noche en el gran Forum recibieron el premio “Acuérdate de Acapulco” por sus respectivas y sobresalientes trayectorias artísticas de primer nivel. Recibieron el galardón por parte del gobernador guerrense Ángel Aguirre, el licenciado Miguel Alemán Velasco y por una omisión por parte del actor Roberto Palazuelos, no fue llamado al estrado el señor Víctor Sotomayor, presidente y director general del FICA: Al medio día, ambas estrellas dieron una rápida conferencia de
prensa en el marco del paradisíaco hotel de Las Brisas. Para la señora Loren “el cine es sumamente interesante, tuve la fortuna de vivirlo a plenitud durante la década de los 60 y los 70… mi drama- ríe-, es seguir permaneciendo bella, cada día-, es mi primera vez en Acapulco y estoy muy contenta, algún día regresar con mis nietos.”
Por su parte, Alain Delon, asertivo dijo: “Antes íbamos al cine para soñar, ahora éste al ser reflejo de la sociedad que vivimos, por ser tan fuerte, ya no nos lo permite. Es mi tercera vez en México, hace 40
años estuve en el rodaje del “Asesinato de Trostsky” y hace 4 en una película de Bernard Levy. Es mi deseo que el FICA alcance el nivel del festival de Cannes.”
Tanto Sofía Loren y Alain Delon presidieron la alfombra roja de la película “Los descendientes”, un largometraje con tintes de tragedia existencial del talentoso cineasta norteamericano Alexander Payne (“Entre copas” y “Confesiones del señor Smith”). La trama se centra en el periplo que debe de vivir Matt King (un estupendo y contenido George Clooney), cuando su esposa entra en estado de coma y él debe de superar su duelo interior, al tiempo que reencaminar las vidas de sus dos hijas, una adolescente yuppie y una niña rebelde de diez años.
Un trasfondo de humor negro recorre este intenso filme, con bellos paisajes del Hawai que son el marco de una familia desintegrada que volverá a unirse al superar su orfandad existencial, al tiempo que es una crónica de que tanto el desencanto y la incertidumbre permea a la sociedad global actual.
Hoy sábado 19 de noviembre continúan las actividades del FICA, con 3 galas de películas mexicanas, entre las que se encuentran: “Martín antes del amanecer” de Juan Carlos Carrasco, “Ella y el candidato” de Roberto Girault y “La noche del pirata” de Juan Carlos Blanco.
Este pasado viernes 4 de noviembre
Por Paco Schwartau
(Desde Houston)
Elizabeth Suyapa Bustillo, dueña del restaurant " El Catrachito", de esta preciosa Ciudad de Houston, Tx; Nos hizo favor de invitarnos a su local, para presentarnos al Sr. Toby Murillo: Joven escritor, director y productor de cine, de origen Hondureño. El cual se encuentra en esta plaza, buscando promocionar su film " Un Malo, No Tan Malo".
El motivo de tal invitación, fue con el fin de que el Sr. Murillo, pudiera platicar con nosotros, con respecto a su interés por presentar su película aquí y de buscar la forma de ayudarlo a promocionar su obra y de conseguir personas interesadas en participar con el, en la presentación de su película, en USA. Platicando con este, joven nuevo valor del Cine Hondureño, es que nos comento sobre el argumento de su película y sus expectativas; Siendo que de acuerdo a lo platicado con el, consideramos Toby, tiene mucho éxito por delante. ...
El argumento de su película: un asaltante de casas y negocios llamado Brandon, el cual después de robar en una joyería, es detenido cuando se disponía a huir y es enviado a la cárcel. Una vez ya encerrado, Brandon decide llevar un buen comportamiento, con el fin de que llegados los 2 años en la prisión, pueda acceder al privilegio de gozar un fin de semana libre, como premio a "su buen comportamiento". Y una vez que lo logra, sale de la cárcel, mas en vez de ir a gozar de su libertad, vuelve a la andadas, (pero de forma mas persistente), y se dedica a asaltar a cuanta persona se le para enfrente (prácticamente), irónicamente asalta a la chica equivocada y para rematar asalta también la casa equivocada, siendo que una vez dentro de dicho inmueble, hace lo que un ladrón, jamás haría ...
"Un Malo no es Tan Malo", fue producida en el 2010 en Honduras, con una coproducción Salvadoreña-EU. El film es escrito, dirigido y producido por: Toby Murillo, y su duración es de 1 hora 30 minutos.
La propuesta de esta película es positivo y educativo, ya que muestra que una pizca de bondad en el ser humano, puede cambiar su propia vida y la de los demás también .... Le deseamos el mayor de los éxitos, a Toby Murrillo.
VOCES CORALES DE MI PUEBLO: LA LECTURA QUE REVIVE
Por Perla Schwartz
Recoveco es un poblado situado a 50 kilómetros de Culiacán, Sinaloa, es un lugar dejado a la mano de Dios, donde viven ejidatarios, campesinos, llaneros, afanosas amas de casa, jóvenes estudiantes.
Desde hace algunos años, cada 11 de junio llevan a cabo una lectura maratónica de “Cien años de soledad” de Gabriel García Márquez, acto que se prolonga por poco más de 19 horas.
Este es el leif motiv del mediometraje documental “Voces corales de mi pueblo” del cineasta sinaloense Óscar Blancarte, el cual inauguró la sección de documentales de arte del 5º Festival de la Memoria, que se está llevando a cabo en Cuernavaca, Morelos hasta el próximo 2 de octubre.
Sin afanes didáctico, más bien como un documento artístico de la realidad, Blancarte, toma como hilo conductor, el testimonio de uno de los lugareños (el actor y dramaturgo Jorge Celaya), para dar cuenta de Recoveco, un lugar paralelo al Macondo creado por la imaginación del Premio Nobel colombiano. Y nos da cuenta de un festín de la lectura que nutre al espíritu de los pobladores, que de ese modo ven rota su rutina cotidiana.
Blancarte ante del inicio de la proyección recordó un pensamiento de su admirado León Tolstoi, con el cual se identifica: “Hay que filmar tu aldea para filmar el universo” y esta consigna lo guía en “Vidas corales de mi pueblo” que es un tributo a una situación de paz, a un remanso artístico-espiritual más allá de la violencia que se vive cotidianamente en México. Es mostrar a la lectura como un universo enriquecedor, como una aventura hacia el conocimiento, y ese permitirse el acceso a mundos más placenteros que el real.
El cineasta inicia su documental con un largo plano secuencia para mostrar la carretera que conduce a Recoveco, posteriormente alterna testimonio de varios pobladores, con fragmentos de la maratónica lectura donde él mismo lee un fragmento de la novela.
Resulta emocionante, saber cómo la hija de la mujer que hace llantas, a partir de dicha experiencia intelectual, se ha vuelto poeta, o escuchar a los niños de primaria, el leer con sus suaves voces.
En suma ”Vidas corales de mi pueblo” es un filme que propugna a que la cultura sea un sustento para realizar cambios en nuestro medio cada vez más convulsionado entre el caos y las contradicciones.
DELIRIOS SINIESTROS: BUENA TÉCNICA, UN GUIÓN ENDEBLE
Por Perla Schwartz
El realizador español Gabe Ibáñez debuta un thriller que combina el horror y los aspectos psicológicos, en España se estrenó como “Hierro”, en México llega a la cartelera comercial como “Delirios siniestros”.
Indudablemente a nivel técnico y cinematográfico, el filme está muy bien realizado, buenas tomas, encuadres, plano-secuencias captados por la lente fotográfica de Alejandro Martínez, Elena Anaya, como María la atribulada madre da una gran actuación, obtuvo el premio en este rubro en el Festival de Sitges.
El problema de “Delirios siniestros” es el guión, ambiguo, flojo, farragoso y predecible, poco antes que llegue el final. Como espectadores es difícil dilucidar que es realidad y que ocurre en la mente de María la protagonista.
La trama misma no ofrece mayores sorpresas, María con su pequeño hijo Diego , durante unas vacaciones, abordan un ferry que los conducirá a la Isla de Hierro, de modo misterioso el niño desaparece; seis meses después- y ello nunca se muestra claramente, la pobre madre atribulada recibe una llamada para identificar el cadáver de un pequeño, de ese modo comenzará su gran pesadilla.
Este filme español, tiene ciertos puntos en común con “El maquinista” de Brad Anderson, en cuanto a las atmósferas siniestras y la gran pesadilla en que se ve inscrita la mujer, pero por supuesto la película norteamericana es mucho más contundente y su guión sí está bien narrado.
Es cierto que Gabe Ibáñez sabe filmar, pero ahora faltaría que llegara a sus manos, un buen guión, el de “Delirios Siniestros”, da al traste con las mejores intenciones.
“Delirios siniestros” (“Hierro”). España, 2009. Dirección: Gabe Ibáñez. Fotografía: Alejandro Martínez. Música: Jacinto M. de la Riva. Guión: Javier Gullón. Intérpretes: Elena Anaya, Mar Sodupe, Bea Segura. Duración: 91 mnutos.
CINCO DOCUMENTALES MEXICANOS COMPITEN POR EL PREMIO “MANOS FIRMES EN EL FESTIVAL D DERECHOS HUMANOS
EN DOS AÑOS Y MEDIO ESTARÁ TERMINADA LA PRIMERA PELÍCULA DE ANIMACIÓN REGIOMONTANA
Por Perla Schwartz
Un entusiasta grupo de creativos se encuentra trabajando en un interesante proyecto,
la primera película de animación regiomontana, que por ahora lleva el título tentativo de “Los
judiciales”, ello fue dado a conocer en conferencia de prensa en el marco del Séptimo Festival
Internacional de Cine de Monterrey, cuyo eje temático es la animación, y del cual se llevó a cabo
un encuentro.
Álvaro Curiel (director de “Acorazado”, próxima a estrenarse a nivel comercial), es el encargado
de la realización de la misma: “Ha llegado el momento de descentralizar el cine en México, por
ello me encuentro muy entusiasmado de colaborar en este proyecto. En cierto modo, mi modelo
a seguir es “Río” del brasileño Carlos Saldhana, él contó esas historias locales que los gringos no
podían haber contado, en mi caso quiero poner énfasis en la idiosincrasia del mexicano.”
Por su parte, Sergio Sedeño, quien lleva tiempo dedicándose a los efectos visuales y la
animación comentó: “Es el momento de realizar un largometraje, nos interesa que sea en 3D y
también haga uso de algunas técnicas de Motion Control, es decir parte se terminará de diseñar
en computadora y la otra en acción cuadro por cuadro.”
“Los judiciales” será una comedia de aventuras, donde lo mismo habrá persecuciones, que
policías que gustan de “atracarse “ con tacos. Curiel enfatizó: “En Monterrey nos encontramos
al mismo tiempo, tan cerca y tan lejos de los Estados Unidos, por ello hay que aprovechar lo
más que se pueda en cuanto a sus avances en animación, la cinta gira en torno a dos policías y
sus vicisitudes cotidianas, no buscamos hacer una apología de ellos, sino mostrar que tras ellos
también hay dos seres humanos.”
Se busca consolidar una propuesta comercial de calidad, para ello se ha reunido un equipo de
producción de primer nivel, donde Sandra Solares será la productora, Juan Carlos García Amaro
se encargará de la música y el guión es el del narrador regio David Toscana, narración que va
presidida por un ácido sentido del humor.
Continúa Sedeño: “Actualmente estamos en el diseño de los personajes y algunas de las
situaciones, también estamos haciendo ensayos con la gama cromática, para encontrar colores
atractivos, pero que no cansen a los espectadores , nuestra acción transcurre en una ciudad
mexicana imaginaria, pero similar en muchos aspectos al Distrito Federal.
Este filme de animación llevará aproximadamente dos años y medio de trabajo y sus animadores
son regiomontanos: “Buscamos presentar una situación de vida, a un antihéroe- señaló Álvaro
Curiel-, creo que este tipo de personajes suele generar mayor empatía con el espectador. En el
pasado Emilio “Indio” Fernández nos presentó una visión idealizada de México y el mexicano, en
cambio Luis Buñuel, nos retrató como somos, a esto segundo yo le apuesto más.”
“Los judiciales” que contará con apoyo de IMCINE y la iniciativa privada promete ser un
interesante proyecto que pondrá muy en alto al talento creativo de Monterrey.
CON METROPÓLIS SE CLAUSURA LA DÉCIMA SEMANA DE CINE ALEMÁN
Por Perla Schwartz
“Metrópolis” el gran filme clásico de Fritz Lang en una copia restaurada, será el filme que clausurará la Décima Semana de Cine Alemán, organizada de manera conjunta por Cineteca Nacional, el Instituto Goethe y el Auditorio Nacional será en esta sede. La función se encuentra programada para el miércoles 17 de agosto a las 20.30 horas.
La función contará con música en vivo de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México dirigida por el maestro José Luis Castillo, quienes interpretarán la partitura original que solía acompañar la proyección de “Metrópolis”, razón por la cual esta función promete ser in acontecimiento.
Esta cinta fue también escrita por Lang, uno de los grandes maestros del Expresionismo Alemán, en colaboración con su esposa Thea von Harbou, partiendo de la novela homónima de ésta última y relata la rebelión de unos obreros en el 2024, quienes viven en galerías subterráneas, y se encuentra en contra de la clase intelectual que detenta el poder, quienes viven en rascacielos con todas las comodidades.
En forma paralela, la cinta también se refiere a la relación amorosa del hijo del dirigente de Metrópolis y una joven de origen humilde. Estamos ante un filme atractivo, con una narrativa compleja. Que tiene una fuerte huella del Expresionismo Alemán, razón por la cual prevalecen las sombras y los claroscuros.
Dejó casi en quiebra a la casa productora por sus fastuosos escenarios y varios desafíos técnicos, pioneros si consideramos que fue filmada a fines de la década de los 20. La copia que se podrá ver el 17 de agosto, cuenta con nuevos rollos que fueron descubiertos en las bodegas del Museo del Cine de Buenos Aires, y cuenta con 25 minutos adicionales.
Que mejor broche tras haberse proyectado en Cineteca Nacional, 11 filmes destacados de la Berlinarle.
ESCENARIOS
IMPRESCINDIBLE ACERCAMIENTO A LAS
NUEVAS TENDENCIAS DEL DOCUMENTAL CONTEMPORÁNEO II:
Por Perla Schwartz
Por octava ocasión, fue organizado Escenarios, Territorios al Límite, una vitrina de exhibición del documental contemporáneo a nivel internacional, cada dos años, este interesante encuentro se lleva a cabo en el CCC, el Centro de Capacitación Cinematográfica, y agrupa exhibición de documentales, conferencias magistrales y mesas redondas.
En esta ocasión, la temática central fue indagar las nuevas tendencias de desplazamiento del documental que en ocasionesretoma varios elementos de la ficción. Un trabajo fílmico que ejerce un abanico de funciones: social, política, jurídica, sin dejar de un lado la estética.
Fueron cinco los temas centrales de reflexión: los límites de la justicia para el encuentro del tan necesario equilibrio; la objetividad que se guarda, al momento de intervenir en una realidad; la autoría y los territorios de la propiedad; la identidad y los límites del otro, así como: lo privado y el territorio de los afectos.
Juan Francisco Urrusti fue uno de los programadores de Escenarios 2011, en el catálogo de presentación, él escribe: “Desde la enorme y blanca ventana de la sala Luis Buñuel del CCC, durante las jornadas de Escenarios 2011 veremos varios territorios geográficos y del alma; atravesaremos nuestras fronteras cognitivas y sensibles, constataremos que las condiciones humanas son, fatal o felizmente. Una sola.”
Y como muestra, baste un botón, hasta el momento me encuentro sumamente impactada tras el visionado del documental “Quimio”
(2009) del joven realizador polaco Pawel Lozinski, emplazar una cámara durante horas, como voyeur silente, para captar una serie de primeros planos de pacientes de un hospital oncológico, momentos antes o durante el lapso en que reciben la quimioterapia.
Cascada de sensaciones encontradas, al confrontar una enfermedad terminal, deseos de vivir o ganas de huir, resignación y humorismo, impotencia ante el sufrimiento que causan a sus seres queridos.
Desgarrador y conmovedor testimonio de los significados profundos de la vida. se conmueva ante una serie de testimonios y conversaciones fascinantes, Lozinski únicamente muestra… y con ello basta.
Bastan 58 minutos para que una como espectadora se comprometa con el film.
CAMINO A LA LIBERTAD: LA ÉPICA DE LA SOBREVIVENCIA
Por Perla Schwartz
En 1941, seis hombres logran escapar de un gulag de Siberia, aprovechando una noche nevada, ellos tienen la necesidad de regresar a una vida sin cortapisas, a una vida con tintes más humanos. A partir de este hecho real, Peter Weir (“The Truman show”, “Comandante de mar y tierra”), tras ocho años de ausencia regresa con “Camino a la libertad”, un filme coproducido por National
Geographic, que pone el dedo en la llaga en la necesidad de rebasar la adversidad.
“Camino a la libertad” es un periplo que bien pudiera definirse como la épica de la sobrevivencia, seis hombres se dan a la tarea de caminar cuatro mil kilómetros, a lo largo de seis meses, sin los suficientes recursos para salir bien librados de dicha odisea, tan sólo 3 de ellos llegan al objetivo final.
Filme basado en la novela “La larga marcha” de Slawomir Rawicz, donde quizás el protagonista principal sea el viaje que va de Rusia a Mongolia, China, Nepal para lograr llegar a la India, son múltiples los paisajes que desfilan ante la mirada del espectador, y varios los conflictos que se suscitan entre los caminantes.
Así tenemos al hermético Mr. Smith (con una lograda interpretación de Ed Harris), a un cínico ladrón ruso que pone la nota humorística (el carismático Colin Farrell) , a un polaco idealista (el actor inglés Jim
Sturguess) y una muchacha de origen ambiguo (la delicada Saoirse Rona).
En verdad todo el elenco está dirigido con mano firme por Weir.
Él entrega una película, que bien hubiera podido ser filmada por David Lean, y una anécdota mínima se dignifica, el enfrentamiento de los hombres que siguen un ideal y se enfrentan a una naturaleza totalmente inhóspita, pero no pierden el temple, esta travesía difícil los pone a prueba, para que puedan emplear todos los recursos de su astucia y valentía que sean capaces.
Él entrega una película, que bien hubiera podido ser filmada por David Lean, y una anécdota mínima se dignifica, el enfrentamiento de los hombres que siguen un ideal y se enfrentan a una naturaleza totalmente inhóspita, pero no pierden el temple, esta travesía difícil los pone a prueba, para que puedan emplear todos los recursos de su astucia y valentía que sean capaces.
“Camino a la libertad”. Estados Unidos 2010. Dirección : Peter Weir.
Guión de él mismo en colaboración con Keith R. Clarke. Música: Bunkhar van Delewitz. Fotografía Russell Boyd. Intérpretes: Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan. Duración 130 minutos.
TENTACIONES PROHIBIDAS: INICIACIÓN SEXUAL Y MORAL
OBTUSA
Por
Perla
Schwartz
El
tránsito
de
la
niñez
a la
adolescencia
en
el
ámbito
de
una
sociedad
hipócrita
que
se
cubre
en
una
doble
moral,
es
el
leif
motiv
de
“Tentaciones
prohibidas”
, la
ópera
prima
del
afamado
guionista
Allan
Ball
(“Belleza
americana”),
él
mismo
es
el
autor
de
un
guión
que
se
basa
en
la
novela
de
Alicia
Erian.
Una
comedia
dramática
que
a lo
menor
provocación
cae
en
el
melodrama,
y
que
tiene
por
temas
rectores
el
racismo,
la
violencia,
la
pedofilia,
la
intolerancia,
así
como
la
brújula
desorbitada
de
Jasira,
la
muchacha
protagonista
de
13
años.
Ella
vive
inicialmente
en
Irak,
al
lado
de
su
madre
y su
novio;
y es
enviada
a
Texas
a
casa
de
su
estricto
padre
musulmán,
este
hombre
llega
a
resultar
exasperante
con
sus
actitudes
machistas
y
violentas.
Para
Jasira
será
difícil
enfrentar
el
mundo
norteamericano,
su
iniciación
sexual
con
un
compañero
afroamericano
y el
acoso
de
su
vecino
(Aarón
Eckhart).
Se
verá
sumida
en
un
caos
confuso
del
cual
buscará
salir
avante.
Ball
nos
presenta
una
especie
de
mezcla
entre
“Lolita”
de
Nabokov
y
algunos
de
los
temas
que
ya
había
planteado
con
mejor
fortuna
en
su
aclamado
guión
de
“Belleza
americana”.
Jasira
es
interpretada
por
la
dulce
y
sensual
Summer
Bishil,
uno
de
los
mayores
encantos
de
un
filme
un
tanto
largo,
y
que
en
algunas
de
sus
secuencias
transcurre
un
tanto
moroso.
La
música
de
Thomas
Newman,
para
mi
gusto
en
momentos
es
en
exceso
ilustrativa,
lo
que
si
es
innegable
es
la
buena
puesta
en
escena
y la
dirección
de
actores
de
Ball,
entre
quiénes
se
encuentran
la
magnífica
Tony
Collete,
en
un
breve
papel,
pero
que
saca
con
brío.
“Tentaciones
prohibidas”,
llega
tres
años
después
de
haber
sido
filmada
a su
corrida
comercial.
“Tentaciones
prohibidas”.
Estados
Unidos,
2008.
Dirección
y
guión:
Allen
Ball.
Fotografía
Newton
Thomás
Sigel.
Música:
Thomas
Newman,
Intérpretes:
Aarón
Eckhart,
Summer
Bisbil,
Tony
Collette.
Duración:
116
minutos.
Presentación del Libro
"Confesiones
de una
Divoviuda"
de
Perla
Schwartz
Comentaristas:
Aline
Pettersson
y
Michael
Schuessler
Lectura
de
poemas
en la
voz de
Aleyda
Gallardo
y
Antonio
Monroi
en el
Círculo
Teatral
Av.
Veracruz
107
Sábado
16 de
julio a
las 12
hrs.
CONFERENCIA DE PRENSA “FESTIVAL INTERNACIONAL DE
CINE DE
GUANAJUATO
(EXPRESIÓN
EN
CORTO)”
Atn.
Jefe de
información,
editor
y/o
reportero
de la
fuente:
Te
informamos
que el
próximo
lunes 11
de julio
a las
11:00
hrs.
tendremos
la
conferencia
de
prensa
donde el
Festival
Internacional
de Cine
Guanajuato
dará a
conocer
su
programa
general,
los
homenajeados
nacionales
e
internacionales,
así como
los
invitados
especiales.
La
conferencia
de
prensa
se
llevará
a cabo
en el
Museo
Memoria
y
Tolerancia,
ubicado
en Luis
Moya 12,
Plaza
Juárez,
Centro
Histórico.
RETROSPECTIVA
DEL
AUSTRIACO
ULRICH
SEIDL EN
CINETECA
Por
Perla
Schwartz
Un cine
provocativo
que
retrata
los
bajos
fondos
de la
condición
humana
es el
del
cineasta
austriaco
Ulrich
Seidl,
(Viena,
1952),
de quien
se hará
una
retrospectiva
de su
obra
fílmica
en
Cineteca
Nacional,
del 7 al
21 de
julio.
Perteneciente al llamado movimiento “Nuevo extremismo europeo”, Sedl obtuvo gran proyección internacional a partir de su descarnado film “Días Perros”(2001), el cual obtuvo el Gran Premio del Jurado del Festival de Venecia, en el 2001.
Película que se desarrolla en un caluroso fin de semana en Viena, donde se presentan seis historias que revelan la esencia de almas solitarias y totalmente desencantadas del mundo que les ha tocado vivir. Viñetas que se mueven entre la ficción y el documental con la característica mirada incisiva del realizador.
El cine de Seidl es crudo, al tiempo que irónico, él es una especie de misántropo, un voyeur cínico, un pornógrafo social. Acude
a una
visión
pesimista
de la
sociedad,
con el
objeto
de
mostrar
esa
deshumanización
que es
elemento
central
de la
sociedad
globalizada.
Expone lo más abyecto del ser humano, sin artificios ni maquillaje, la retrospectiva a presentarse en Cineteca, está conformada por 12 de sus cintas, en la programación se incluye su cortometraje: “1.40 m” (1980), el cual fue realizado en su época de estudiante.
Asimismo se podrá ver “Buenas noticias”( 1990), un ensayo dialéctico sobre las terribles condiciones de los inmigrantes
sudasiático
en los
distritos
aledaños
a Viena.
Por
parte,
“Amor
animal”
(1995)
es una
crónica
de una
sociedad
tecnológica,
en que
el
hombre
se ha
transformado
en un
animal.
Seidl también es director del gran documental “Jesucristo tú que todo lo sabes” (2003), donde haciendo uso de una cámara estática, se muestra el rol que la religión juega en la vida actual, a través de las plegarias de diversos creyentes.
También han sido programadas: “Import Export” (2003), filme que narra dos historias paralelas, habitadas por la desazón: la de Olga una madre soltera ucraniana y la de Paul, un joven austríaco que busca mejores condiciones de vida. Una película difícil de soportar, pero al mismo tiempo atractiva.
Complementan esta retrospectiva, otros atractivos títulos como; “Modelos” (1999), “Sobre la situación del país” (2001)
y
“Hermano,
vamos a
ser
felices”
(2006),
entre
otras.
EL DILEMA: UNA BUENA PREMISA, PERO NO HACE REÍR
Por Perla
Schwartz
El tema de
la
infidelidad
y el
compromiso
de
honestidad
ética de un
amigo a
otro, es el
eje
narrativo de
“El dilema”,
una fallida
comedia
dramática
dirigida por
Ron Howard
(“Una mente
brillante”,
“El código
Da Vinci).
En
definitiva
Howard tiene
un innegable
oficio, el
problema es
el insulso y
esquemático
guión de
Allen Loeb,
una premisa
interesante,
hasta
novedosa que
se va
desintegrando
conforme
avanza el
filme, que
si se
sostiene a
momentos es
por el
cuarteto
protagónico,
Vince Vaugh,
Winona Ryder,
Kevin James
y Jennifer
Connelly.
Ronny (Vaugh)
y Nick
(James) son
grandes
amigos desde
la
universidad,
y cuando
inicia el
filme, son
socios de
una empresa
que se
dedica al
diseño
automotriz,
el primero
de ellos es
el soltero
empedernido
que sostiene
un noviazgo
con la dulce
Beth (Connelly)
y el segundo
está casado
con Geneve (Ryder).
Todo
seguiría en
la más
monótona
rutina, de
no ser que
Ronny
descubre en
forma
accidental,
que Geneve
le es infiel
a su adorado
Nick, y es
entonces que
le surge el
dilema
moral, si
decírselo a
su amigo o
mejor
callarse. A
través de
este
argumento
buscan que
el
espectador
se ría con
situaciones
burdas y
estereotipadas,
pero no es
así, porque
el dilema de
esta
espectadora
fue decidir
si seguir
viendo la
película
hasta el
final.
El avance de
“El dilema”
es denso, y
tiene sus
mejores
momentos en
el drama, y
es graciosa
cuando
aparece
Queen
Latifah,
como una
ejecutiva
automotriz
con “gustos
porno”.
Vaugh
sostiene la
mayor parte
de la trama,
pero resulta
fuera de
tono un
breve
monólogo que
sostiene en
la cena de
aniversario
de los
padres de su
prometida,
hay falsedad
emocional en
el trazo de
los
personajes y
el abordaje
a la
honestidad
se queda en
lo simplista
y se presta
a
“pastelazos”,
como cuando
Nick golpea
Ronny, para
descargar su
cólera.
“El dilema”. Estados Unidos, 2011. Dirección: Ron Howard. Guión: Allen Loeb. Música: Lorne Balfe, Hans Zimmer. Fotografía: Salvatore Totino. Intérpretes: Vince Vaugh, Kevin James, Winona Ryder, Jennifer Connelly. Duración: 113 minutos.
MI OTRO YO. UN VIAJE DE AUTODESCUBRIMIENTO
Por Perla Schwartz
Sin lugar a dudas,
la depresión es uno
de los grandes males
del siglo XXI, nada
ni nadie puede hacer
algo para curar al
deprimido, ni el
Prozac, ni los
libros de auto
ayuda, ni todo el
cariño de familiares
y amigos, sólo él,
es quien debe de
emerger de su túnel
de oscuridad.
Él es quien debe de
reaccionar y
lanzarse a un viaje
de
autodescubrimiento
para volverse a
posesionar de las
riendas de su
itinerario
existencial, al
menos así sucede con
Walter Black
(estupendo Mel
Gibson) en “Mi otro
yo” (“The Beaver”),
filme dirigido con
gran sensibilidad y
una buena carga
emotiva por Jodie
Foster, quien a su
vez interpreta a la
abnegada Meredith,
la esposa de Gibson.
Comedia negra, barroca y esperpéntica que parte de un guión de Kyle Killen, que si bien en momentos pudiera parecer algo descabellado, ello no obsta para que el espectador se identifique con las tribulaciones de Walter, un hombre profundamente deprimido, que la pasa dormido, evadiendo su realidad, hasta que la situación se torna insoportable, y que por un accidente del azar, se topa en el bote de basura con un títere Castor, que lo ayudará a confrontar sus demonios interiores, que le obstaculizan el avance.
Parece increíble que un hombre cargue a todas partes con su castor y a través de él, se exprese y refleje sus emociones más privadas, pero este títere, al menos por unos meses es su soporte para superar su declive. Los matices de Walter Black se translucen en la gran banda musical creada por el experimentado Marcelo Zarvos.
Foster dirige con
mano firme y sumerge
al espectador en
este proceso de
depuración del
sufrimiento del
protagonista, y
Gibson sostiene una
película, que
también hace
alusión, a una
familia
disfuncional, el
hijo mayor (Antón
Yelchin), tiene
sentimientos
ambiguos hacia su
padre; el hijo menor
(Riley Thomas
Stewart) en su
inocencia acepta a
su padre, a pesar de
su comportamiento
extraño.
“Mi otro yo” rebasa
el status de un
melodrama
convencional, para
bucear en la
complejidad de la
personalidad, filme
inteligente sobre
los desórdenes
psicológicos, que a
pesar de no tener un
tratamiento
científico se acerca
con sutileza a una
patología, que
muchos hemos
padecido, aunque sea
temporalmente.
“Mi otro yo” (“The
Beaver”). Estados
Unidos, 2011.
Dirección: Jodie
Foster. Guión: Kyle
Killen. Música:
Marcelo Zarvos.
Fotografía: Hagen
Bacheoski.
Intérpretes: Jodie
Foster, Mel Gibson,
Antón Yechlin.
Duración: 93
minutos.
WOMEN ART REVOLUTION: UN GRAN DOCUMENTAL SOBRE LA
EVOLUCIÓN DEL ARTE FEMINISTA
Por Perla Schwartz
Una de las mejores películas que he tenido la oportunidad de ver en el festival de Distrital y otros mundos, es el espléndido documental: “Women arte revolution, a secret history” de la artista visual Lynn Hershman- Lesson, el cual es producto de varios años de trabajo, para lograr resumir en poco menos de hora y media, el impacto de las artistas feministas en los Estados Unidos, las cuales fueron un parte-aguas en la historia artística dominada por siglos por los hombres.
Ágil y provocativo es este trabajo, que ya ha recorrido varios festivales del cine a nivel mundial, entre ellos, Toronto, la Berlinale y a principios de año estuvo en el Sundance. país, de hecho la próxima semana (del 6 de junio) se proyectará en Cineteca Nacional, debido a que la realizadora hizo una instalación multimedia que se puede ver en la sala 7 Alejandro Galindo.
“Women art revolution” se compone por varios testimonios de las protagonistas de la revolución feminista en el arte, encabezadas por la polémica Judy Chicago, quien coordinó la instalación “Dinner party” con obra de varias artistas visuales, para cuestionar a la sexualidad convencional.
También hay la oportunidad de escuchar a la talentosa estudiosa Ruby Rich, una de las pioneras de la crítica cinematográfica feminista, a Miranda July, Hannah Wilke o Martha Rossler con su ya mítico performance “La semiótica de la cocina” para rebatir la cosificación en el ámbito hogareño.
Todas ellas creadoras vanguardistas, que han buscado nuevos resquicios de expresión, más allá de la dominación patriarcal. Uno de los puntos más altos de este interesante trabajo es la presentación de las performanceras
Qué fortuna que lo podemos ver en nuestro Las Guerrilleras Girls, todas ellas enmascaradas con caretas de gorila, quiénes hicieron diversas presentaciones ante el público, haciendo uso de un caustico humor. Entre ellas estuvo Violette Leduc.
O Rachel Rosenthal, creadora teatral y performancera, quien se ha caracterizado por estar calva, y ha ideado espectáculos con gran visceralidad para referirse a su condición de mujer transgresora.
El documental de Hershman abarca más de 40 años de evolución y revolución, está estructurado con sensibilidad con el deseo de decirse, ella misma es una experimentada artista visual y dar palabra a sus compañeras y colegas.
Asimismo se exponen varias reflexiones interesantes como cuando una de ellas dice:”El feminismo como limitación y no como fundamento”. Este trabajo fílmico es la contundente comprobación que si existe una estética feminista que saca a la mujer del “achipatriarcado” (concepto acuñado por la teórica Griselda Pollock), es decir que hace visibles a todas aquellas mujeres que permanecían en el “cuarto oscuro”.
“Women art revolution”. Estados Unidos 2010. Dirección: Lynn Hershman Lasson. Productora ejecutiva: Sarah Peter. Duración: 83 minutos.
Copia Fiel, ya viene
Por James Punk
Copia Fiel es la historia del encuentro entre un hombre y una mujer en un pequeño pueblo italiano de la Toscana. Él es un escritor inglés que ha venido para dar una conferencia. Ella es una galerista francesa. Ambos partirán por algunas horas a un pequeño pueblo cerca de Florencia, donde al menos en apariencia, interpretarán los roles de un viejo matrimonio. Un relato de coincidencias que se convierte en una historia que bien podría ser universal: un hombre y una mujer que juegan a ser una pareja en las pequeñas calles de la Toscana italiana. Abbas Kiarostami aborda de manera brillante el fenómeno de la réplica en esta lograda cinta, aclamada por la crítica internacional.
El Festival Internacional de Cine de Guanajuato, del 23 al 31 de julio
Por James Punk
· El Festival Internacional de Cine de Guanajuato presentará un programa especial de lo “Mejor del Cortometraje Mexicano” dentro del Short Film Corner en Cannes.
· Primera reunión con los integrantes del programa Cinéfondation LA RÉSIDENCE de Cannes 2011, quienes formarán parte de la residencia de verano MexiCannes en Guanajuato.
· El Festival Internacional de Cine de Guanajuato y Avon México lanzarán la convocatoria internacional de “Alza la Voz, contra la violencia doméstica” dentro de la 64ª edición del Festival de Cannes, donde se mostrará un programa especial de los mejores cortometrajes del concurso 2010 con la presencia de sus directores.
ROMA AL FINAL DE LA VÍA: DOS MUJERES EN EL CAMINO
Por Perla Schwartz
La vida y su devenir, la vida
presidida por el caprichoso azar y a
lo
lejos, un tren que nunca sabremos si
es real o fantasmal. ¿habrá que
abordarlo o será mejor seguir en la
misma circunstancia?
Esta es la pregunta central de “Roma
al final de la vía”, obra
escrita por Daniel Serrano, que se
centra en la trayectoria de dos
mujeres pueblerinas, quiénes son
amigas desde la infancia. Ellas son
cómplices de sus días y sus horas,
son semejantes pero al mismo
tiempo absurdamente diferentes.
Alberto Lomnitz es el responsable de
un montaje muy sensible, que
parte de mínimos elementos
escenográficos, que se apoya de
manera
certera en el diseño sonoro, pero
ante todo en la interpretación de
sus
dos sus grandes actrices: Norma
Angélica como Evangelina y Julieta
Ortiz como Emilia.
Es impresionante la transformación
que experimentan ambas
actrices puesto que están dando la
gama de 7 décadas en la vida
de una mujer, desde niña a la edad
senil, y en ningún momento se
sobreactúan
Ellas saben dar todos esos matices
que conducen a las alegrías y los
sin sabores, a ese estar a la merced
de los miedos ocultos que suelen
frenar el tan necesario avance.
Crónica de seis décadas que se viven
con intensidad, pero siempre bajo el
resguardo de la sombra de la
muerte.
Serrano a través de diálogos
tiernos, al tiempo que metafísicos
va
trazando su historia, que en
momentos roza lo absurdo y ello
Lomnitz
lo entiende muy bien y refleja en
escena, un trazo minimalista, donde
la emoción de cada una de sus dos
mujeres es lo más relevante.
“Roma al final de la vía” es un
montaje sumamente gozoso, no
se necesita acudir a más elementos
espectaculares, cuando existe
talento, lo mismo del director que
de sus dos actrices que se esfuerzan
para brindar un gran espectáculo.
“Roma al final de la vía” tiene
temporada de jueves a domingo en
Teatro Casa de la Paz, para terminar
temporada el 29 de mayo, un
montaje altamente recomendable.
BARCELONA, UN MAPA: DE LA SOLEDAD Y
SUS CONTORNOS
Por Perla Schwartz
Un apartamento que huele a soledad y
a rancio. Lo habitan un
matrimonio mayor que espera la
muerte de él en cualquier momento,
la marcha del reloj es totalmente
irreversible. El matrimonio se da a
la
tarea a decirles adiós a cada uno de
sus tres inquilinos. Quieren estar
solos, para cuando la Parca llegue.
Tal es la propuesta de la historia
de “Barcelona, un mapa” (2007) de
Ventura Pons, basada en la obra
teatral homónima de la dramaturga
catalana Lluisa Cunille, un collage
de seres errantes, de seres
desgajados de su entorno, de seres a
un punto de la erosión.
El dolor y el desencanto es la
columna vertebral de esta película
teatral y minimalista, que fue una
de las proyectadas dentro del
ciclo “A través de mis ojos” que se
llevó a cabo en la Cineteca
Zacatecas, dentro del marco del 25º
Festival Zacatecas 2011. Una
buena oportunidad para ver la
maestría de Ventura Pons, un
cineasta,
cuyas películas rara vez son
distribuidas comercialmente en
nuestro
país.
El cineasta se concentra en un
microcosmos, que es reflejo fiel de
la
muchedumbre solitaria que puebla las
grandes urbes y que tiene en su
protagonista José María Pou, a un
gran intérprete, el hombre próximo
a la muerte, que le gusta
travestirse, cuyo mayor mérito en la
vida
fue haber sido portero del Liceo de
la ópera, y haberle rescatado a su
cachorro a María Callas.
Y junto a él, su fiel esposa
(carismática Nuria Espert) quien
guarda
un gran secreto de su pasado; más
los tres inquilinos, encabezados
por la sardónica maestra de francés
(Rosa María Sardá), el futbolista
venido a menos (Jordi Bosch) y la
chef de origen latinoamericano
(estupenda María Botto).
El adulterio, el incesto , el
travestismo, son los hilos
conductores
de este drama intimista, que se
sustenta sobre todo en sus actores,
y que a lo largo del despliegue de
la historia Un filme que tiene por
escenario central, un pisito
barcelonés, y se van entrelazando
unos
breves flashazos, que le brindan una
mayor intensidad poética a la
película.
Ojalá la puedan ver en Dvd, bien
vale la pena
“Barcelona, un mapa”, España 2007.
Dirección y guión: Ventura Pons,
Fotografía: Mario Montero. Música:
Carlos Cases. Intérpretes: José
María Pou, Nuria Espert, Rosa María
Sardá, María Botto. Duración: 90
minutos.
Post Mortem de Pablo Larraín, se estrena en la Ciudad de México y en Guadalajara este viernes 29 de abril
POST MORTEN de Pablo Larrín, producción de CANANA yFABULA (Chile), que fué cinta ganadora en el 26vo. Festival Internacional de Cine en Guadalajara, como Mejor Película Iberoamericana se estrenará este viernes 29 de abril, su lanzamiento comercial incluirá tanto el Distrito Federal como la ciudad de Guadalajara.
La película de Pablo Larraín se llevó, además, los premios a Mejor Actor para Alfredo Castro, Mejor Fotografía para Sergio Armstrong y una recomendación especial para ser considerada en los próximos Globos de Oro. El filme fue estrenado en agosto del 2010, en el Festival de Cine de Venecia, y desde su exhibición ha logrado gran cantidad de críticas positivas en medios internacionales.
En Post Mortem el actor Alfredo Castro interpreta a un hombre llamado Mario Cornejo, quién es un gris funcionario que trabaja en la morgue como escribano responsable de redactar los reportes de las necropsias realizadas. Entonces llega el Golpe de Estado a Salvador Allende en 1973 y su percepción de la vida cambia drásticamente ya que tiene que trabajar con los militares.
"Tuvimos la oportunidad de tener reuniones con gente que trabajó en los servicios médicos forenses de esa época. El hijo del hombre que interpreto está vivo y también realiza autopsias, por lo tanto tuve trato directo. Pero aún siendo una ficción sustentada en la realidad, la imitación del personaje no me servía mucho.
"Yo tenía 16 años cuando fue el golpe militar, estaba en la secundaria y eso me sirvió mucho. El hecho de haber vivido eso hacía que tuviera memorizado en mi cuerpo el terror en ese entonces, la desidia de cierto tipo de personas, porque finalmente mi personaje es de alguien que no siente mucho vínculo con lo que pasaba entonces y luego cambia de opinión", detalla el intérprete.
Post mortem (2010) es la tercera cinta del director chileno Pablo Larraín, en su haber tiene Tony Manero (2008) y Fuga (2006), ganadora del premio a Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine de Cartagena 2007, así como a Mejor Película en el Festival de Málaga de Cine Español del mismo año.
"Creo que directores jóvenes como Pablo han hecho películas que vale la pena ver, no solamente de cosas dolorosas en Chile, sino en varios países. En Post mortem, se pone en juego una mirada épica sobre nuestra historia que se supone pretende olvidarse, pero no lo es, se está recuperando la historia sangrienta", concluye el actor chileno.
Pablo Larraín, además de director y guionista, es productor de las cintas Ulises (2011), Grado 3 (2009) y La vida me mata (2007). Larraín estudió comunicación audiovisual en la Universidad de Artes, Ciencias y Comunicación (Uniacc) en Santiago, Chile. Ha ganado numerosos premios entre ellos el de Mejor Película por Tony Manero ( Excelente filme N. de la R.)en el Festival Internacional de Turín (2008) así como el premio KNF en el Festival Internacional de Roterdam (2009).
SIN LÍMITES: EL ENGAÑO DE UN TRIUNFO VERTIGINOSO
Por Perla Schwartz
Y de repente , Eddie Morra (Bradley Cooper)
, un escritor en
plena crisis creativa, descubre gracias a su
ex cuñado, la solución,
el hacerse adicto a la droga NZT, la cual
pone a trabajar al cerebro,
a la velocidad de la luz, puede conectar
ideas, rescatar recuerdos
sepultados y ser todo un as, en lo que se
proponga.
Tal es el premisa del thriller “Sin límites”
(“Limitless”), dirigido por
Neil Burger (“El ilusionista”), un alocado
filme, que si bien puede
resultar entretenido es un tanto caótico en
su desarrollo, y además
tiene un final, un tanto cargado de
moralina.
A partir de la segunda parte, el desarrollo
de la trama se derrumba
y los diálogos se tornan un tanto flojos, y
es una lástima puesto que la
premisa era interesante, aún y cuando
provenga de la ciencia ficción,
lo que sí es innegable es que Burger logra
un manejo coherente de
la vertiginosidad de la imagen, en una
estética que en momentos,
recuerda “Réquiem por un sueño” (2000) de
Aranofsky.
Y claro cuenta con un elenco sólido para dar
vida a los extravagantes
personajes, siendo el antagonista, el
siempre efectivo Robert de Niro,
como un ambicioso hombre de finanzas de Wall
Street, quién verá en
Morra a su mejor asesor, para poder seguirse
enriqueciendo.
Este filme basado en la novela “The dark
fields” de Alan Glynn
propone que “una droga mágica” puede
propiciar dotes, casi de
clarividente, es necesario ser un tanto
iluso para comprar dicho
argumento, si uno logra engancharse con
ello, el filme “Sin límites”
puede llegar a ser entretenido, pero nada
más.
Es de esos trabajos que se quedan a medias,
aunque haya sido
un éxito de taquilla en los Estados Unidos.
La historia se queda en la
superficie y evita sumergirse en reflexiones
más profundas. Burger
temas tan interesantes como: adicción,
obsesión o locura, él se limita
a buscar efectos visuales estridentes, que
en algunas secuencias caen
en el mero videoclip, y es una lástima,
puesto que en Cooper tenía a
un buen protagonista.
Tal vez si esta película hubiera sido
realizada por un director más
talentoso, de seguro otro hubiera sido el
resultado.
“Sin límites” (“Limitless”). Estados Unidos
2011. Dirección: Neil
Burger. Guión: Leslie Dixon, basado en
novela de Alan Glynn. Música:
Nico Muhly. Fotografía: Jo Willhem.
Intérpretes: Bradley Cooper,
Robert de Niro, Abbie Cornish. Duración: 105
minutos
EL CINE LATINOAMERICANO, PLATILLO FUERTE DEL 21º
FORO INTERNACIONAL DE LA CINETECA
Por Perla Schwartz
14 películas son las que conforman la
programación del 31º
Foro Internacional de la Cineteca, la mayor
parte de ellas,
fueron producidas en el 2010 y han tenido
diversos premios
y reconocimientos. “Lucía” de Niles Atallah es
la película que
inaugura el ciclo que será del 20 de abril al 9
de mayo en Cineteca
Nacional y que iniciará su itinerancia en la
Ciudad de México y
diversos puntos del interior de la república,
desde el 29 de abril.
“Lucía” cuenta la vida cotidiana de una joven
costurera chilena,
poco tiempo después de la muerte de Pinochet; de
Venezuela se
verá “El chico que miente” de Marité Ugás,
cineasta de origen
peruano quien nos presenta una road movie de un
chico que
debe de ingeniárselas para sobrevivir, entre la
falta de recursos
económicos y su desamparo.
“Jean Gentil” es una coproducción entre
Alemania, República
Dominicana y México, dirigida por Laura A.
Guzmán e Israel
Cárdenas que muestra la expansión del desempleo
debido al
creciente fenómeno de globalización mundial en
la figura de
taciturno haitiano Jean Remy.
Asimismo, se proyectará “Las marimbas del
infierno” de Julio
Hernández Cordón, la mejor película mexicana del
VIII Festival
Internacional de Cine de Morelia, en una
historia que narra un
proyecto insólito, la fusión de la marimba con
los acordes del Heavy
Metal.
Y Perú estará representado por “Octubre”,
dirigida por los
hermanos Vega Vidal, un retrato minimalista en
torno a la soledad
de muchedumbre.
Otras cintas programadas en este Foro son: “La
mujer que
cantaba” de Denis Villeneuve, en base a la
exitosa obra
teatral “Incendios” de Wadji Mouwad; del rumano
Cristi Puiu
podremos ver “Aurora” el periplo de un hombre
deprimido,
quien tiene que violentarse para salir de su
letargo, así como el
documental “Cuchillo de palo”, coproducción
paraguaya- española,
dirigida por la joven cineasta Renate Acosta
quien retrata con gran
sensibilidad la homofobia en tiempos de
Stroessner, entre otras.
Paula Astorga, directora general de Cineteca
Nacional dijo
que: “El Foro tiene por objetivo presentar cine
alternativo de calidad,
este año en el D.F. se suman dos nuevas sedes
universitarias,
el Cinematógrafo del Chopo y el Centro Cultural
Universitario
Tlatelolco, además que habrá 5 sedes nuevas en
provincia en
Pachuca, Zapopan, Tijuana, Chiapas y Saltillo.”
Cine de vanguardia, cine que rara vez llega a la
cartelera comercial
es el que podremos ver en este Foro
Internacional de la Cineteca,
donde también fueron programados filmes de
Japón, Israel, Rusia,
Noruega e Italia.
Intrigas, surrealismo y amor para el fin de semana
por Pryz Hill
Juego de Traiciones (Fair Game)
Los engaños y deslealtades se dan en todos los estratos sociales, más aún, cuando hay intereses.
Juego de Traiciones, es un filme basado parcialmente en el polémico bestseller escrito por Valerie Plame “Fair Game: My Life as a Spy, My Betrayal by the White House”, un material que fue censurado por la agencia gubernamental.
Es así, como Naomi Watts, interpreta a la oficial secreta de la División de Anti-proliferación de la CIA, la cual dirigía una investigación sobre la existencia de armas de destrucción masiva en Iraq.
Por una parte, en la Casa Blanca se quería escuchar una afirmación de ésta hipótesis con el fin de respaldar la entrada de Estados Unidos a la guerra; pero las investigaciones de Plame decían lo contrario, al igual que las de su marido, el diplomático Joe Wilson (Sean Penn).
Joe decide no quedarse callado y escribe un editorial en el New York Times explicando sus resultados e iniciando una encendida polémica.
De pronto, para Valerie todo cambiará. Su vida, ahora pisoteada por el gobierno, se verá al borde del caos a nivel profesional y personal.
Juego de Traiciones fue la única película norteamericana que participó en la Sección Oficial de la 63ª edición del Festival de Cannes.
Ver trailer: http://ow.ly/4mDjv
Sucker Punch: Mundo Surreal
La vida en ocasiones para algunos es cruel y despiadada, sin embargo, no por eso se tiene que vivir en el sufrimiento y la depresión.
Es así como Babydoll, una joven de 20 años, que después de quedar huérfana, matar por accidente a su hermana, estar bajo los maltratos de su padre y entrar a un hospital para enfermos mentales, vive su propia fantasía.
Esta película de acción e imaginación es un escape a su oscura realidad, donde no existen fronteras de tiempo y lugar, con tal de encontrar la libertad.
Con fantásticos efectos 3D, el viaje de sus increíbles aventuras distorsionan la línea entre lo real y la ficción, transformando partes del filme en un videojuego acompañado de un soundtrack a doc a ésta utopía.
La vida es un juego de sacrificios y afrontarla con ilusiones puede hacerte vivir aunque el destino tenga algo diferente.
Ver trailer: http://ow.ly/4g6Oc
Gnomeo y Julieta
El maravilloso cuento de William Shakespeare, ahora es protagonizado por gnomos del jardín, convirtiendo la más grande historia de amor en algo divertido y disparatado.
Entre pleitos, los bandos del mundo de los gnomos de jardines, pelearán por las tierras y por el amor de Julieta, por lo que Gnomeo tendrá que sortear un sin fin de obstáculos.
Sin duda, la lucha por un amor eterno, envolverá a los vecinos en esta aventura.
Gnomeo y Julieta, es una película animada del director de Shrek 2, Kelly Asbury, que cuenta con temas musicales de Elton John acompañados por Lady Gaga y Nelly Furtado.
Ver trailer: http://ow.ly/4mGJR
Otros estrenos de la semana:
La otra familia, una película mexicana que pone en cuestión qué es mejor para un niño, ¿que viva con una pareja homosexuales o con su madre adicta al crack? Con las actuaciones de Jorge Salinas, Luis Roberto Guzmán, Ana Serradilla y Nailea Norvind.
Justin Bieber: Never Say Never, la historia verídica de cómo este chico se convirtió en un fenómeno mundial.
Así pasa cuando sucede, del director Woody Allen.
Sin duda, un fin de semana con varias opciones del séptimo arte para disfrutar.
El Festín del Entretenimiento por Pryz Hill
Twitter: @pryzhill
Facebook: Pryz Hill
gilc_priscila@yahoo.com.mx
LA VIDA ÚTIL: UN TRIBUTO AMOROSO AL CINE
Por Perla Schwartz
Tributo amoroso al cine, tributo a toda esa serie de
mundos
desconocidos que puede contener una película,
cuestionamiento si
el cine ha de sobrevivir el embate de la alta
tecnología, estas son
algunas de las directrices del segundo largometraje
de Federico Veiroj
(“Acné”), “La vida útil”.
Esta película que recibió una mención especial en
FICUNAM, y
que actualmente se proyecta en Cineteca Nacional,
filmada en su
mayor parte en blanco y negro, con el objeto de
acentuar el deje de
nostalgia, en su primera parte, se ambienta en las
instalaciones de
la Cinemateca Uruguaya, un lugar detenido en el
tiempo, con pocos
espectadores, pero con trabajadores que se entregan
a ella en cuerpo
y alma, una institución con fuertes problemas
financieros, que se niega
a desaparecer.
El protagonista es Jorge (Jorge Jellineck), quién es
crítico de cine
en la vida real. Él se maneja en la Cinemateca, como
una especie
de hombre “multiusos”. Lo mismo se encarga de la
proyección de
las películas, que de arreglar las butacas, de
grabar los mensajes
promocionales, de apoyar la programación, de
presentar al director
invitado o de intervenir en el programa radiofónico
semanal dedicado a
la institución.
A Jorge le duele, que su amado centro de trabajo se
encuentre en
declive. En ese momento en “La vida útil” se
despliega la gran vuelta
de tuerca, y Jorge se convierte en personaje de su
propia ficción, en
miras de superar su estatismo y vivirá una
ambivalente historia de
amor. Y junto con él, los espectadores recorreremos
los rincones de
Montevideo, y algunos de sus lugares como el Palacio
Legislativo o la
Universidad.
Para este segmento, Veiroj con encuadres muy
precisos y
adoptando recursos narrativos de la Nouvelle Vague,
nos conduce
a una itinerancia, donde la vida cotidiana se
entrecruza con
varios homenajes fílmicos. Es el periplo de un
hombre que se va
sobreponiendo a sus propios miedos y está dispuesto
a vivir hasta sus
últimas consecuencias, no desdeña las enseñanzas que
le ha dado el
cine.
“La vida útil” ganadora del gran Coral del Festival
de Cine de La
Habana 2010 y recientemente del Premio FIPRESCI del
Festival
de Cartagena, se inserta en todos esos filmes, donde
el cine, es el
gran personaje, pienso en “La noche americana”
(1973) de Francois
Truffaut, en “Cinema Paradiso” (1988) de Giuseppe
Tornatore
o “Splendor” (1988) de Ettore Scola.
¡Vivan las películas cinéfilas!
“La vida útil”. Uruguay, España, 2010. Dirección:
Federico Veiroj.
Guión de él mismo en colaboración con Inés
Bortagaray, Gonzalo
Delgado y Arauco Hernández. Fotografía: Arauco
Hernández. Música:
Leo Marsilah, Eduardo Fabini, Macunaima.
Intérpretes: Jorge Jellinek,
Manuel Martínez, Paola Venditto. 67 minutos.
107 PELÍCULAS COMPETIRÁN EN EL 26º FESTIVAL
INTERNACIONAL DE CINE DE GUADALAJARA
Por Perla Schwartz
Cuatro grandes homenajes se llevarán a cabo en el marco de la 26ª edición del Festival Internacional de Guadalajara, el primero será para la gran actriz Diana Bracho, por más de 4 décadas de trayectoria en cine, teatro y televisión, se aprovechará para proyectar la comedia “Entre Pancho Villa y una mujer desnuda” (1995) dirigida por Sabina Berman e Isabelle Tardan, una de sus destacadas participaciones en el séptimo arte.
Asimismo,
el director de cine español Fernando Trueba recibirá
el Premio a Guadalajara de Iberoamérica, en tanto el
prolífico cineasta alemán Werner Herzog será reconocido
con el Premio Guadalajara Internacional y se proyectará
una vasta retrospectiva de su obra fílmica.
Mientras
que el compositor Manuel Esperón recibirá un homenaje post
mortem por haber aportado con su talento más de 500 canciones
para nuestro cine, baste con recordar “Amorcito corazón” y “Flor
de azalea”, dentro de un vasto repertorio.
El
Festival de Guadalajara, cuya mayor parte se llevará a cabo en
las instalaciones de Expo Guadalajara ofrecerá 294 filmes (entre
largometrajes y cortometrajes), provenientes de 37 países, entre
México, Iberoamérica y otras regiones, del 25 de marzo al 1 de
abril del año en curso.
Al
ser el país invitado Israel, la película inaugural procede dicho
país y es “El gerente de recursos humanos” (2010) de Eran Riklis
(“El limonero”), además que se podrán ver a lo largo del
festival, cintas de Amos Gitai y Eran Kolirin y Etgar Keret,
entre otros.
Habrá premieres mundiales de gran interés como son “Chico y
Rita” (2010), la más reciente realización de Trueba y el
documental portugués “José y Pilar” (2010) de Miguel Goncalves,
que se basa en una larga entrevista a José Saramago.
Como ya es
costumbre habrá las secciones de competencia de largometraje de
ficción mexicano e iberoamericano, donde concursarán “Flor de
fango”, “Efecto tequila”, “Travesía del desierto”; “Asalto al
cine” por parte de México; mientras que de Iberomérica se podrá
ver “Afinidades”, “18 comidas”, “Jean Gentil”, entre otras.
Asimismo,
hay dos secciones de competencia de documental nacional e
iberomaericano;y de cortometrajes;
habrá también cine para
niños, una sección de cine de vampiros curada por Guillermo del
Toro, otra para las películas más taquilleras.
Esto es
apenas una probadita de un festín cinematográfica variado e
intenso, que contará entre sus invitados con Edward James Olmos
y Willem Dafoe.
Asimismo habrá presentaciones de varios libros, entre
ellos el de 50º aniversario de Filmoteca de la UNAM escrito por
el crítico de cine Rafael Aviña.
LA CHICA QUE SOÑÓ CON UN CERILLO Y UN GALÓN DE
GASOLINA: THRILLER TREPIDANTE
Por Perla Schwartz
La segunda parte de la trilogía “Milenium” de Stig
Larson, también ha
sido adaptada a la pantalla grande, conservando el mismo
título: “La
chica que soñó con un cerillo y un galón de gasolina”,
se trata de un
thriller efectivo y trepidante dirigido por Daniel
Alfredson.
La protagonista es Lisbeth Salander (Noomi Rapace), la
intrépida
detective, que no medirá peligro alguno en la medida en
que logre
cumplir con su objetivo de venganza. Se develará su
tortuoso pasado,
su estancia en una institución psiquiátrica, donde ella
fue sometida a
las peores vejaciones, así como la difícil y tensa
relación con su padre,
un hombre sádico y cruel.
Como contrapartida, el filme abre la cloaca de la
sociedad sueca,
al abordar el tema del tráfico sexual de mujeres
jóvenes, sobre todo
provenientes de Europa del Este, investigación a la que
se avoca
Mikel (Michael Nyqvist) y sus cercanos colaboradores de
“Milenium”,
la revista que siempre busca poner el dedo en la llaga
en tópicos
espinosos .
La corrupción, la impunidad, las traiciones son algunos
de los temas
que maneja este thriller, que se fundamenta en una trama
compleja,
que presupone todo un rompecabezas a ser armado por un
paciente
espectador.
Estocolmo y sus alrededores lucen imponentes, gracias a
la
fotografía de Peter Mokrosinski, y Lisbeth Salander se
erige como
un mujerón, incluso se muestra parte de su intimidad, su
relación
amorosa con chica francesa y el porqué de su necesidad
de conservar
su privacidad y por ende su soledad.
Alfredson maneja con oficio el desarrollo de su
historia, que incluso
resulta atractiva para quien no haya leído el libro y
deja abierta la
curiosidad para ver la tercer entrega de Milenium.
“La chica que soñó con un cerillo y un galón de
gasolina”. Suecia,
2009. Director: Daniel Alfredson. Guión: Stig Larson.
Fotografía: Jacob
Groth. Música: Peter Mokrosinski. Intérpretes: Noomi
Rapace, Lena
Encke, Michael Nyqvist. Duración: 130 minutos
Cinema Planeta: Cine y conciencia ecologista
Por Perla Schwartz
La tercera edición de Cinema Planeta que arrancará el
próximo
11 de marzo en Cuernavaca, Morelos, cuenta con 70 películas
provenientes de alrededor de 25 países, su intención es
mostrar a
través de las imágenes en movimientos, del desequilibrio
ecológico
en que se encuentra nuestro planeta y la búsqueda de nuevas
alternativas para subsanar dicha problemática.
El país invitado será Francia, y encabeza la lista, la
hilarante cinta
de Jean Pierre Jeaunet , “Mimacs un plan de locos” (2009),
un sátira
de humor muy negro en torno a la industria armamentista. Se
incluirá
también en esta sección, un homenaje a almirante Jacques
Yves
Costeau, proyectando algunos de sus trabajos más
emblemáticos,
entre los que se hallan: “El lago Bankal” (1998) y “Ley del
Oceáno”
(2010).
La columna central de Cinema Planeta se encuentra conformada
por la Sección Oficial de documentales, los cuales aúnan
narrativa
cinematográfica con ciencia crítica, para abordar temas de
gran
importancia como medio ambiente, cambio climático,
sustentabilidad,
la conservación de recursos naturales, la salud o los
derechos
humanos.
Entre los filmes programados en esta sección se encuentran:
“Ash”
(China, 2010), “La luna rota” (Brasil, 2010), “Flores en el
desierto”
(México, 2009) y “La medida del hombre” (Estonia, 2010). De
entre
ellos será seleccionado el mejor por un jurado conformado
por la
programadora del FIFE Inés Handaoui, la productora Martha
Sosa y la
científica Julia Tagueña.
Este festival se llevará a cabo del 11 para finalizar el 19
marzo, la
inauguración será en el Jardín Borda a las 19.30 horas y se
contará
con la presencia de la actriz Elizabeth Cervantes,
posteriormente en
Cineteca Nacional del 22 al 27 de marzo se presentará una
selección
de las mejores cintas, entre las que destacan: “Border”
(2009) del
realizador armenio Haratyn Khachatryan, “Women are héroes”
(2010)
del fotógrafo galo JR y “El árbol de la música” (2007) del
brasileño
Otavio Jalarno.
Asimismo en Cinema Planeta se realizarán una serie de
actividades
paralelas, como cine al aire libre, exposiciones
fotográficas,
instalaciones y proyección de video arte, sin olvidar los
paneles a
cargo de especialistas que reflexionarán sobre la intricada
relación
entre creación artística, cambio climático y medio ambiente.
“AITA”, PELÍCULA ESPAÑOLA, GANADORA DEL FICUNAM
Por Perla Schwartz
Diez días de cine de autor, de cine que de otro modo es de
difícil
acceso, ni soñarlo que se programe en la cartelera comercial,
ese
fue FICUNAM, primer Festival Internacional de Cine de la UNAM,
que contó en su programación con 130 trabajos fílmicos, a nivel
internacional, el premio a la mejor película recayó en “Aita”
deJosé
María Ontes, un filme minimalista que destaca por sus atmósferas
poéticas y por su espléndida fotografía.
A modo de breves viñetas, quisiera referirme en esta nota, a
tres
películas que vi en FICUNAM, dos de la competencia internacional
y una más de la sección de trazos, dedicada a mostrar un sucinto
panorama de búsquedas creativas en la actualidad.
Primeramente de la sección de competencia, se exhibió “A la edad
de Ellen” (2010) de Pía Marais, quien en su segundo largometraje
hace una certera metáfora de la globalización de la sociedad
contemporánea, y del cómo el ser humano al llegar a situaciones
límites, debe de tomar decisiones radicales, con el objeto de
salir
adelante.
Es así como Ellen la protagonista (estupenda Jeanne Balibar) es
una
azafata, pero no tan sólo se dedica a ejercer su oficio de
sobrevolar
los cielos, sino que opta por ir más allá de una cotidianeidad
asfixiante,
cuando es traicionada por su compañero de vida. La aparición de
una
criatura salvaje en su mente, la llevará a tomar una serie de
decisiones
para tratar de ser ella misma.
Filme del aprendizaje, a través de un viaje de iniciación, que
en
momentos toca los derroteros de lo absurdo, como cuando Ellen
se lía por una breve temporada con un singular grupo de jóvenes
anarco-ecologistas, quienes son más exhibicionistas que la labor
que
desempeñan en la realidad.
Con certeza Marais apunta que es vana la colectivización de la
propiedad privada y un mundo que anda de cabeza, y ello lo hace
con un dejo de ironía, al tiempo que una visión habitada por la
ternura
hacia cada uno de sus personajes.
En la misma sección de competencia de Largometraje
Internacional,
presentó “La vida útil” (2010) del cineasta uruguayo Federico
Veroj,
todo un homenaje a la cinefilia. La primera parte de esta breve
película, filmada en blanco y negro rinde un tributo a la
Cinemateca
Uruguaya, en el momento en que afronta difíciles problemas
económicos para seguir sobreviviendo.
Este filme que recibió el Premio de Cine en Construcción en San
Sebastián, así como el de mejor director en el Festival de
Valdivia
y una mención especial del FICUNAM, es una delicia para aquellos
que amamos al cine, se disfruta de principio a fin, en la
segunda parte
el programador de Cinemateca se convierte en un personaje que
deambula por Montevideo, con varias referencias a películas
claves de
la historia mundial del cine.
Veroj se muestra como un director sensible que nos dice entre
imagen e imagen el cine ha de prevalecer a pesar del
ciberespacio o
la evolución humana, todos somos protagonistas de nuestras
vidas. Es
una delicia.
Y finalmente de la veterana directora francesa Catherine
Breillat,
su largometraje número 18 “La bella durmiente”, reelabora el
cuento
honónimo de Charles Perrault, más algunos elementos de “La reina
de
las nieves” de Hans Christian Andersen para dar cuenta del viaje
de
iniciación de Anastasia, a lo largo de 100 años, una chica que
ama los
relojes y que en los diccionarios, encuentra la posibilidad de
recrear su
cotidianeidad.
Destaca la estética visual de esta película, así cómo, la
inocencia se
trastoca con el devenir del tiempo. Ficción y realidad son
fusionadas
por Breillat de un modo magistral.
DEL CINE QUE DE OTRO MODO, NO VERÍAMOS EN FESTIVAL